Фотореализм: ошеломляющая достоверность

Шли десятилетия, фотография стала отдельными видом искусства, однако живопись при этом никуда не делась. И вот через полтора века появились художники, которые не только использовали фото в подготовке к написанию картины, но и старались повторить визуальные эффекты, делая картину и фотографию полностью идентичными для зрителя.

Поначалу художники стремились скрывать свою любовь к фотографированию, поскольку опасались, что их уличат в своеобразном обмане, использовании фото для исполнения картин, и их труд может быть обесценен — как в прямом, так и в переносном смысле. Однако фотография открывала для них огромные возможности для эксперимента, и грех было ими не воспользоваться. С середины XIX века увлечение фотографией в художественной среде стало делом обычным. Фотографией увлекались Борис Кустодиев, Эдгар Дега, Василий Кандинский, Уинслоу Хомер, Альфонс Муха.

Движение зародилось в 1960-х годах в Соединенных штатах Америки и получило название «фотореализм», или же «суперреализм». Проецируя фотографическое изображение на холст, художники-фотореалисты пытались достичь абсолютного сходства картины и фотографии, и даже использовали в работе инструмент, традиционно предназначенный для ретуши фото — аэрограф. Их абсолютно не смущала их «зависимость» от фотографий. Собственно, художественный мир и фотография к тому времени уже давно и основательно подружились. Например, фото часто использовали для того, чтобы не работать с моделями, которым приходилось платить за каждый сеанс. Мастера-портретисты утратили свои позиции - все-таки фотография превалировала в точном воспроизведении человеческой внешности. Фотографии, фактически, заменили пленэр — можно было запечатлеть любимые пейзажи в разное время дня и позже спокойно работать в студии.

К моменту возникновения фотореализма в мире искусства царила абстракция, минимализм и поп-арт, а фотография стала ведущим способом фиксации окружающей реальности и грозила заполонить все культурное пространство. Наряду с концептуализмом новое движение возродило интерес к реалистическому направлению. В противовес массовости и повторяемости фотографии, картины художников-фотореалистов были единичными произведениями. Изображения на холсте были определенно узнаваемыми и стремились к виртуозной точности, переводя плоскостное изображение в третье измерение. При этом художник зачастую основывал свои работы на фотографиях, а не на непосредственном наблюдении. Именно поэтому полотна фотореалистов остаются оторванными от окружающего мира — и фактически, и метафорически, в одном шаге от реальности, поднимая вопросы различия между реальностью и искусственностью.

Термин «фотореализм» был придуман в 1969 году американским писателем и арт-дилером Луи К. Мейзелем, владельцем одной из первых художественных галерей в Сохо на 141, Принс-стрит. Два года спустя Мейзель, страстный поклонник и коллекционер произведений в стиле фотореализма, придумал и опубликовал основные определения этого направления. Итак, фотореализм «по Мейзелю» — это создание картин, написанных таким образом, чтобы выглядеть как фотографии в их законченной форме, а художник-фотореалист должен был обладать следующими признаками:

1. Фотореалист использует камеру и фотографию для сбора информации.
2. Фотореалист использует механические или полумеханические средства для переноса информации на холст.
3. Фотореалист должен обладать рисовальными навыками, дабы сделать готовую работу максимально похожей на фотографию.
4. Художник должен был выставляться как фотореалист к 1972 году, чтобы считаться одним из центральных мастеров направления.
5. Художник должен был посвятить не менее пяти лет разработке и выставкам фотореалистических работ.

Фотореализму понадобилось более десяти лет, пока он обрел собственную идентичность и был определен в пяти пунктах Луи Мейзеля. Начало этому движению положил выпускник Чикагского института искусств Ричард Эстес. Молодой художник, как и многие его коллеги, использовал фотографии в качестве подготовки к написанию пейзажей. Переехав в Нью-Йорк, он переосмыслил городские пространства и стал переносить их изображения с фотографии на холст — с реалистичной точностью и высоким уровнем детализации. Его работы вызвали интерес у публики и привлекли внимание коллег. Вскоре свои силы в этом новом жанре стали пробовать Чак Клоуз, Ральф Гоингс, Чарльз Белл, Одри Флэк, Дон Эдди, Денис Петерсон и Малкольм Морли. Все они начали свои штудии примерно в одно и то же время, однако были по большей части независимыми друг от друга мастерами, разрабатывая каждый свое собственное представление о реалистичности изображения. В 1970 году благодаря усилиям Мейзеля работы фотореалистов были представлены в музее Уитни на выставке «Двадцать два реалиста».

Художественное движение набирало силу на протяжении 1970-х годов и быстро стал международным явлением. Отчасти этому способствовал переезд Ричарда Эстеса в Испанию, отчасти — немецкая международная художественная выставка Documenta 5, которая прошла в 1972 году. Тогда куратор выставки, швейцарский историк искусств Харальд Зееман пригласил нескольких фотореалистов принять участие в экспозиции. И хотя большинство критиков откровенно ругали пятую документу за избыточный социальный и исторический контекст, она стала самой представительной европейской экспозицией, собравшей такое количество художников-фотореалистов и и презентовавшей публике это новое направление.

Вслед за художниками к фотореализму обратились и скульпторы, часто изображая объекты и людей в преувеличенном масштабе. Мастера стремятся достичь высочайшей степени реализма, одевая свои скульптуры в настоящую одежду, используя актуальные предметы обстановки — украшения, посуду, мебель. Некоторые работы, особенно выставленные в определенном контексте галерейных пространств, могут быть просто пугающе реальными — как, например, скульптуры американца Дуэйна Хансона или австралийца Рона Мьюека.

Через год после скандальной пятой документы, в Брюсселе, в галерее арт-дилера Исы Брахота прошла еще одна выставка, в которой приняли участие мастера фотореализма. На этой выставке Брахотом была предложена новая концепция — гиперреализм, которая, в конечном итоге, стала означать работы следующего поколения художников, в том числе испанца Агустина Рече Мора и американца Дени Петерсона. Гиперреалисты, в отличие от своих предшественников, не стремились воспроизводить фотографии «один в один». Они предпочитали использовать реалистическую технику изображения, но фотографии были для них лишь источником вдохновения, набором сюжетов. Беря пейзаж — там, деталь — здесь, компонуя изображения, гиперреалисты зачастую придавали своим картинам фантастические смыслы.

После многих лет торжества абстракции и импровизации художники-фотореалисты, наряду с некоторыми мастерами поп-арта, вновь осознали важность обдуманного планирования создания картины, противопоставив автоматизму и душевному порыву искусство рисования и мастерское владение кистью. После десятилетий стихийного и импровизационного искусства традиционные академические техники вновь получили признание публики.