«Вау! Как живая!»: 10 американских живописцев, при взгляде на работы которых захватывает дух от реалистичности

Реализм реализму рознь. А американский реализм (как, впрочем, и вся живопись этой страны) — отдельное явление в мировом искусстве. Если в распоряжении европейских живописцев были целые века, посвященные одному стилю, то жителям США пришлось проходить «ускоренный курс» за каких-то пару столетий. Не успели реалисты войти во вкус, как им на пятки уже начали наступать импрессионисты, а вскоре за ними пришли абстракционисты, кубисты и прочие беспредметники. Однако место реалистичным картинам в Штатах находилось в любые времена, хотя и не всегда их воспринимали благосклонно.

Рафаэль Пил (1774-1825)

Венера, выходящая из моря Рафаэль Пил 1822

Рафаэль Пил, который считается первым выдающимся мастером натюрмортов в США, был сыном заметной фигуры в американской живописи. Чарльз Уилсон Пил основал первый в Штатах музей естественной истории, пережил трех своих жен и дал жизнь 16-ти детям, которых называл в честь знаменитых художников и ученых и которых сам учил живописи. С ранней юности, которую он провел в поисках экспонатов для отцовского музея, Рафаэль Пил был страстным путешественником. Однако слабое здоровье, подорванное работой таксидермиста, подагрой и алкоголизмом, лишили его этого удовольствия. А прикончил художника бокал горячего пунша, который он выпил, чтобы успокоить больной желудок. Большинство знаменитых натюрмортов Пила посвящено еде, однако вершиной его творчества считается полотно «Венера, выходящая из моря — Обман» («После ванны»). Художник настолько реалистично изобразил занавеску, скрывающую обнаженное тело женщины, что его жена, впервые увидев картину, попыталась сдернуть с нее ткань.

Лилли Мартин Спенсер (1822−1902)

Натюрморт с ягодами и смородиной Лилли Мартин Спенсер 1860,

Лилли Мартин Спенсер сегодня причисляют к иконам феминизма. У нее есть написанная в 1866 году картина, на которой с газетой изображен не отец семейства, а мать! Для самой Лилли такой сюжет отнюдь не был фантазией: она успевала еще и не такое. Родила 13 детей (выжили 7) и полностью обеспечивала семью: муж лишь с разной степенью успеха выступал в качестве ее менеджера да иногда позировал для жанровых сценок. Мужья у нее часто изображены безобидными недотепами, а вот домохозяйки очаровательны, игривы и веселы, они успевают одновременно флиртовать и консервировать фрукты. Едва ли не больше жанровых сцен, художница любила натюрморт: его можно написать, не выходя из собственной гостиной, продемонстрировав на небольшом полотне всю виртуозность — бархатный персик, сочный арбуз, холодный камень… Лилли не упускала случая вписать натюрморт и в жанровые сцены: это же отличный способ показать публике, какая классная посуда у нее дома! Жанровые сюжеты художницы отлично продавались в виде гравюр, так что это было все равно, что выложить фото с новым сервизом в Инстаграм. Конечно, ее живопись — еще не реализм. Будь мы по другую сторону океана, назвали бы это словом «бидермейер». Критики справедливо замечают, что у ее героев непропорционально большие головы и не слишком естественные позы, но вот к пупырышкам на огурцах и прожилкам на прозрачных ягодах крыжовника не может быть никаких вопросов.

Уинслоу Хомер (1836-1910)

Лунный свет Уинслоу Хомер 1874

Главный затворник и отшельник американской живописи Уинслоу Хомер был вынужден почти всю жизнь зарабатывать себе на хлеб работой журнального иллюстратора, да еще и содержать отца, лишившего семью всех сбережений. В остальном же о личной жизни художника можно только строить предположения и догадки: он ревностно охранял свою приватность и предпочитал молчать даже о методах работы. Своему первому биографу он отказался давать какие бы то ни было комментарии. Страсть Хомера к уединению и его любовь к морским пейзажам были настолько сильны, что он какое-то время прожил на маяке в Глостере вместе с семьей смотрителя. Художник не получил профессионального художественного образования и отказывался от преподавания. Но некоторые молодые живописцы сами находили его в поисках вдохновения: к примеру, Ньюэлл Уайет приезжал в Мэн ради встречи с Хомером, и считается, что картины художника-затворника наложили отпечаток на творчество не только самого Ньюэлла, но и его сына Эндрю и внука Джейми.

Томас Икинс (1844-1916)

Шахматисты Томас Икинс 1876

Это сейчас Томас Икинс — один из признанных мэтров американской живописи. А когда-то художника увольняли с преподавательской работы за то, что он осмеливался показывать студентам (а главное — студенткам!) полностью обнаженных натурщиков. И обвиняли в нездоровой тяге к мужскому телу, которое он так любил изображать. Центральными темами в зрелом творчестве Икинса стали спортсмены (опять-таки, по большей части мужчины) и уютные домашние сцены. Однако известность ему принесли пугающе реалистичные картины с изображениями хирургических операций, в свое время шокировавшие консервативную филадельфийскую публику. Икинс, делавший ставку на доскональное изучение анатомии человеческого тела, был принципиальным реалистом на протяжении всей своей карьеры, и никакие авангардные течения не смогли изменить его убеждений.

Уильям Харнетт (1848-1892)

Натюрморт. Скрипка и музыка Уильям Майкл Харнетт 1888

Филадельфия подарила Америке множество талантливых живописцев. И хотя Уильям Харнетт родился в Ирландии, вскоре после его рождения семья будущего художника переехала в США, и именно в Филадельфии он прожил большую часть жизни. Учителем Харнетта был уже знакомый нам Рафаэль Пил, существенно повлиявший на все творчество молодого художника, а именно — на выбор сюжетов. Но если специализацией Пила была еда, то Харнетт свои суперреалистичные натюрморты (их относят к «обманкам», картинам-иллюзиям, для которых есть термин тромплей) посвящал оружию, книгам и музыкальным инструментам. Причем художник отдавал предпочтение подержанным предметам, например, потрепанным книгам на тележке старьевщика. «Новые вещи плохо ложатся на холст», — говорил он. Харнетт прожил всего 44 года и, к сожалению, не дождался прижизненного признания. Его работы оценили по достоинству лишь в середине ХХ века, до этого же критики считали такие сюжеты недостойными места в музеях.

Изабель Бишоп (1902-1988)

Стол художника Изабель Бишоп

Практически неизвестная у нас Изабель Бишоп была довольно влиятельной фигурой в американской живописи. Дочь писательницы и суфражистки переехала в Нью-Йорк в возрасте 16 лет, чтобы получить профессиональное художественное образование. Считается, что Бишоп внесла свой вклад в развитие феминистского движения в США, поскольку в работе она вдохновлялась именно женскими образами. И если поначалу это были немного размытые одинокие обнаженные фигуры, то в более поздних работах художницы ее героини полны жизни: они энергично шагают по нью-йоркским улицам, разговаривают и смеются, не скрывая эмоций. Изабель не останавливалась на одном стиле и технике, но особого внимания заслуживают ее натюрморты и жанровые сцены, написанные, по словам художницы, под влиянием полотен фламандских мастеров.

Марк Адамс (1925-2006)

Розовая фетровая шляпа Марк Адамс 1988

Марк Адамс — еще один малоизвестный художник, о котором мы просто обязаны вам рассказать. У себя на родине Адамс прославился благодаря своим великолепным витражам и гобеленам. В Сан-Франциско, где художник прожил большую часть жизни, можно увидеть его работы, украшающие, к примеру, главную городскую синагогу и здание аэропорта. Но в какой-то момент Адамс решил посвятить себя акварелям, в которых с помощью обыденных вещей виртуозно передавал игру света. Особенно завораживают работы художника со стеклянными предметами (сказывалось «витражное» прошлое). Кажущаяся простота акварелей Адамса пришлась по душе публике. Арт-дилер Джон Берггрюэн, продававший работы Адамса на протяжении 25 лет, говорил, что каждый раз, когда акварели художника выставлялись в галерее, потенциальные покупатели выстраивались в очередь задолго до ее открытия.

Дуэйн Хансон (1925-1996)

Существует мнение, согласно которому гиперреалистичные скульптуры создаются с одной-единственной целью: заставить зрителя почувствовать себя неловко. Работы американского скульптора Дуэйна Хансона справляются с этой задачей на все сто. В 60-х он начал создавать свои первые скульптуры из стеклопластика и винила, собирая из них жутковатые сцены с автокатастрофами, абортами и драками чернокожих мужчин с полицией. Из этих ранних работ сохранились очень немногие, поскольку большинство Хансон уничтожил. В 70-х его скульптуры перестали быть такими тошнотворными, но при этом по-прежнему вызывали смущение. «Простые американцы из рабочего класса» в работах Хансона представали ни капли не приукрашенными, с лишним весом, морщинами и мешками под глазами. В лучших традициях поп-арта скульптор отражал окружающую действительность во всей ее неприглядности.

Джейми Уайет (1946)

Портрет Шорти Джейми Уайет 1963

Многие талантливые дети знаменитых родителей вынуждены всю жизнь оставаться в их тени и постоянно доказывать, что и сами достойны внимания. Джейми Уайета эта участь обошла стороной. Конечно, его неоднократно сравнивали с отцом Эндрю, но художника, похоже, это мало заботит. Первые уроки живописи Джейми получил от своей тети Кэролин, которая привила ему любовь к масляной живописи. Художник признавался, что ему настолько нравится нюхать и щупать масляные краски, что он даже не раз хотел попробовать их на вкус. Что же касается отношений с отцом, вдохновившим Джейми на эксперименты акварелью и темперой, то здесь, по словам художника «все просто: Эндрю Уайет — мой самый близкий друг и художник, работами которого я восхищаюсь больше всего». (А Эндрю Уайета в этой подборке нет только потому, что вы и так отлично его знаете — История любви Эндрю и Бетси Уайетов в картинах).

Рэн Ортнер (1959)

«Дух Божий, носящийся над бездною», — восхищенно произнес Крамской у картины Айвазовского «Черное море». К полотну Рэна Ортнера эти слова тоже подходят.

Наш современник Рэн Ортнер родился в Сан-Франциско, вырос в сельской местности Аляски, много лет прожил в Нью-Йорке, но при любом удобном случае сбегает к морю. Художник называет себя «отравленным океаном». В прошлом профессиональный мотоциклист и по-прежнему заядлый серфер, все свои громадные гиперреалистичные полотна Ортнер посвящает тому, что любит больше всего. Ранние работы художника были минималистичными и, по его словам, лишь передавали ощущение океана, но начиная с 2005 года он стал писать свои фотографически точные картины (холст, масло — все, как у Айвазвоского) с почти живыми морскими волнами. «В море, — говорит художник, — я залечиваю все свои раны, я просто теряюсь во всей этой роскошной бесконечности. Не существует ничего более симфоничного, более блистательного и полноценного, чем бескрайнее море».