Тайны автопортретов Ян ван Эйка, Франческо Пармиджанино, Микеланджело и других великих художников

1. Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини»

Именно с Возрождения начинается развитие жанра автопортрета - интерес к человеку, к личности естественным образом породил и внимание художника к собственному образу. Но автопортреты в своем традиционном, академичном виде появились далеко не сразу. Поначалу мастера, желающие изобразить себя на картине, либо вписывали свою фигуру в композицию в роли одного из второстепенных персонажей, либо становились «сами себе натурщиками» и главными действующими лицами своих произведений.

«Портрет четы Арнольфини», написанный в 1434 году, во многих отношениях был первым – для картины, например, была использована новая технология получения красок, здесь впервые указана подпись художника – ранее оставлять свое имя на полотне было не принято. Картина содержит множество загадок, столетиями порождая споры среди искусствоведов, а главное – в ней очень сильно ощущается присутствие художника – то ли зримое, то ли нет. Зеркало, расположенное за спиной купца Арнольфини и его супруги, отражает не только фигуры их самих, но и двух других, скрытых от зрителя персонажей. Одним из них, возможно, и является Ян ван Эйк, о чем косвенно свидетельствует подпись на картине «Ян ван Эйк здесь был».

По другой версии, художник изобразил на картине не семейство Арнольфини, а себя и свою жену Маргариту – в подтверждение такой версии приводят портретное сходство фигур с четой ван Эйк.

2. Франческо Пармиджанино, «Автопортрет в выпуклом зеркале»

Эпоха Возрождения дала истории искусства произведения живописи, написанные в разных стилях – художники Италии создавали собственные традиции, предлагая зрителям порой странные, но все же великие произведения искусства. Пармиджанино, в переводе с итальянского – «житель Пармы», экспериментировал с пропорциями, часто усложнял и искажал композицию произведения, нарушая законы перспективы. Считается, что он увлекался магией.

Автопортрет был написан совсем юным, двадцатилетним художником, на деревянной полусфере. Пармиджанино преподнес его в числе прочих своих работ папе Римскому Клименту VII, сумев привлечь внимание ценителей к таланту, проявленному в настолько раннем возрасте. Неестественно большая рука – необычный способ изображения человеческой фигуры, но для художника он типичен – нечто похожее можно встретить и в других его работах, например, на картине «Мадонна с длинной шеей».

3. Микеланджело, фреска «Страшный суд»

Фреска, которую мастер писал с 1537 по 1541 годы, является частью алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане. К моменту работы над «Страшным судом» Микеланджело испытывал разочарование в философии Возрождения, что отразилось в его произведении. Церковь обвиняла художника в том, что обнаженные тела фрески имеют непристойный вид, а потому изображенное на фреске может считаться ересью. Ответом Микеланджело, направленным папе, было – «удалить наготу легко, пусть он мир приведет в пристойный вид». Тем не менее в изображения фигур были внесены некоторые изменения.

На одном из фрагментов фрески показан святой Варфоломей, который держит в одной руке нож, а в другой – снятую с грешника кожу. В жутковатых на вид складках этой кожи и виден предполагаемый автопортрет Микеланджело – возможно, как символ того, что эта работа была мастеру в тягость.

4. Караваджо, «Давид с головой Голиафа»

Караваджо - художник, отличавшийся сложной натурой и непростой судьбой, но признанный еще при жизни гений Возрождения. Склонный к эпатажу, бросающий вызов академизму, он стал новатором в итальянском искусстве и оказал огромное влияние на своих современников и последующие поколения живописцев.

На картине «Давид с головой Голиафа», где показан результат битвы библейского героя с великаном, автопортретом является отсеченная голова побежденного. Дописанная в 1610 году, эта работа сопровождала Караваджо в его скитаниях – проведя годы жизни в изгнании, он неоднократно подправлял и корректировал свое произведение. По одной из версий, в образе Давида художник изобразил самого себя в юности.

5. Рембрандт, «Блудный сын в таверне»

Рембрандт был любителем как сюжета о блудном сыне, так и жанра автопортрета – за свою жизнь он создал несколько десятков своих изображений, внимательно изучая и отображая возрастные изменения своей внешности.

«Блудный сын в таверне» («Автопортрет с Саскией на коленях») - картина, написанная в 1635 году и запечатлевшая Рембрандта вместе с женой в счастливую пору его жизни. Вероятно, композиция произведения содержала и другие персонажи, но художник, желая сосредоточить внимание зрителя на главном, попросту обрезал часть холста. Возможно, сюжет беззаботного наслаждения, за которое потом настанет неминуемая расплата, казался Рембрандту в момент написания картины наиболее подходящим к его собственной жизни.

6. Диего Веласкес «Менины»

«Менины» на протяжении веков считаются картиной-загадкой – слишком много вопросов остаются без ответа. Сложная композиция произведения вовлекает зрителя в происходящее, заставляя искать закономерности и связи в отдельных группах персонажей, проходить через двери и оглядываться на персонажей. Обычно считается, что картина представляет собой то, что видит королевская пара, позирующая художнику и отражающаяся в зеркале за его спиной.

Картина была написана в 1656 году, а крест Святого Иакова ордена Сантьяго на груди Веласкеса, был получен художником только спустя три года. Изображение этого креста отсутствовало в первоначальном варианте картины, он был написан уже после смерти художника по приказу короля Филиппа.

7. Уильям Хогарт, «Автопортрет с собакой»

Уильям Хогарт – один из самых выдающихся представителей английской школы живописи. Он развивал в своих работах идеи Просвещения, видел свою задачу в воспитании нравственности человека посредством искусства и творчества.

На картине, созданной в 1745 году, художник изобразил себя в модном тогда стиле «портрета в портрете». Фигура собачки на холсте оказалась не случайно – Хогарт, не имевший детей, очень любил животных. Он запечатлел своего питомца по имени Трамп, сидящего перед портретом художника в овальной раме. Стопка книг, служащая опорой для «картины», подобрана не случайно – Шекспир, Свифт, Мильтон были для Хогарта и главными писателями, и основными ориентирами в литературе и философии.

8. Карл Брюллов, «Последний день Помпеи»

Над полотном художник работал шесть лет, начиная с 1827 года, когда он посетил раскопки древнего города, уничтоженного извержением вулкана Везувий в I веке. Законченная картина стала большим событием культурной жизни Рима, где она выставлялась для публики, а затем – Парижского салона 1834 года, получив большую золотую медаль выставки. Позже это произведение было отправлено в Россию.

Свой автопортрет Брюллов поместил среди группы людей на ступенях гробницы – он изображен с поднятой головой, смело и трагически встречает неизбежное. Рядом изображены инструменты художника – которые он не оставляет даже перед лицом неминуемой гибели.

9. Сальвадор Дали «Мягкий автопортрет с жареным беконом»

Сам художник определял себя как «живущего, чтобы позировать», а потому наличие автопортретов среди его наследия кажется явлением закономерным. Как, впрочем, и нестандартный подход к изображению собственного лица – его черты «плывут» под собственной тяжестью, напоминая картину Дали «Постоянство времени». Закрученные усы-антенны позволяют легко установить личность персонажа на портрете. Картина полна иронии – ее передают и подпорки-костыли, за счет которых «держится лицо», и бекон, отсылающий к органической сущности всего живого.

Этот автопортрет был, возможно, самым необычным, но далеко не единственным в творчестве Дали. Один из самых ранних – «Автопортрет с рафаэлевской шеей» - был написан на двадцать лет раньше, в 1921 году, перекликаясь с похожим произведением работы Рафаэля.

10. Фрида Кало, «Две Фриды»

Латиноамериканская художница прославилась главным образом благодаря автопортретам – их за все время творческой жизни она создала около семидесяти. На картине «Две Фриды» художница изобразила свои сущности в виде женщин, держащихся за руки. Одна из них одета в свадебное викторианское платье, другая – в национальную мексиканскую одежду. Считается, что таким образом художница переживала развод с Диего Риверой, который любил лишь одну из этих двух ипостасей художницы.

«Две Фриды» - это еще и своеобразная исповедь художницы о ее одиночестве, о единственном способе найти утешение – обращаясь к самой себе.

Среди автопортретов великих мастеров встречаются и такие, где сходство формы с внешним обликом художника принесено в жертву содержанию, сути, человеческой жизни, ее подтексту. К таким можно отнести поздние автопортреты Пабло Пикассо, которые с течением времени становились все более абстрактным и недостижимым изображением его внутреннего мира.