Как шедевры великих художников вдохновляли гениальных модельеров на создание уникальных коллекций

1. Мадлен Вионне

Крылатая победа Самофракии, II век до н. э.

Родившаяся на севере центральной Франции в 1876 году, мадам Мадлен Вионне была известна как «богиня стиля и королева кроя». Во время своего пребывания в Риме она была очарована искусством и культурой греческой и римской цивилизаций, и вдохновлена древними богинями и статуями. Основываясь на этих произведениях искусства, она сформировала эстетику своего стиля и объединила элементы греческой скульптуры и архитектуры, чтобы придать новое измерение женскому телу. С её мастерством драпировки и косого кроя платьев Мадлен произвела революцию в современной моде. Она часто обращалась к произведениям искусства, таким как «Крылатая Победа Самофракии» для своих творческих коллекций.

Сходство между шедевром эллинистического искусства и музой Вионне поразительно. Глубокая драпировка ткани в стиле греческого хитона создаёт вертикальные полосы света, стекающие по фигуре. Скульптура была создана в знак уважения к Нике, греческой богине победы, и вызывает восхищение своим реалистичным изображением движения. Струящаяся драпировка дизайна Vionnet напоминает движение вздымающейся ткани, которая прилипает к телу Nike. Платья могут быть подобны живым существам с душой, как и тело. Подобно Крылатой Победе Самофракии, Мадлен создала платья, которые пробуждают человеческую сущность, сокрытую глубоко внутри. Классицизм, как эстетическая философия, так и философия дизайна, дал Вионне возможность передать своё видение в геометрической гармонии.

Она также была очарована современными художественными течениями, такими как кубизм. Мадлен начала включать геометрические фигуры в свои творения и применила другой метод их резки, называемый косой резкой. Конечно, Вионне никогда не утверждала, что она изобрела косой разрез, а только расширила его использование. Поскольку женщины добились большого прогресса в борьбе за свои права в начале ХХ века, Мадлен защитила их свободу, отменив долговечный викторианский корсет из повседневной одежды женщин. Поэтому она стала символом освобождения женщин от стеснения бюстье и вместо этого выпустила новые, более лёгкие ткани, которые буквально струились на женских телах.

2. Пьерпаоло Пиччоли

Фрагмент: Сад земных наслаждений, Иероним Босх, 1490-1500 гг.

Пьерпаоло Пиччоли - главный дизайнер Valentino, и религиозные произведения Средневековья очень привлекают его. Отправной точкой вдохновения для него является переходный момент от Средневековья к Северному Ренессансу. Он сотрудничал с Зандрой Роудс, и вместе они разработали вдохновляющую коллекцию весной 2017 года. Пиччоли хотел связать панк-культуру конца 70-х с гуманизмом и средневековым искусством, поэтому он вернулся к своим корням и Ренессансу, найдя вдохновение в картине Иеронима Босха «Сад земных наслаждений».

Знаменитый голландский художник был одним из самых заметных представителей Северного Возрождения в XVI веке. В «Саду Земных наслаждений», который Босх нарисовал до Реформации, художник хотел изобразить Рай и сотворение человечества, первое искушение Адама и Евы, а также Ад, предвосхищающий грешников. На центральной панели люди, похоже, удовлетворяют свои аппетиты в мире, стремящемся к удовольствиям. Иконография Босха выделяется своей оригинальностью и чувственностью. Вся картина интерпретируется как аллегория греха.

В мире моды картина приобрела популярность, поскольку различные модельеры были очарованы её мотивами. Смешивая эпохи и эстетику, Пиччоли переосмыслил символы Босха с помощью летящих прозрачных платьев, в то время как Роудс создала романтические принты и вышитые узоры, слегка похожие на оригинальные произведения искусства. Цвета, безусловно, были частью послания, которое хотели донести модельеры. Таким образом, коллекция летящих мечтательных платьев основана на северной цветовой палитре яблочно-зелёного, бледно-розового и голубого цвета яиц малиновки.

3. Dolce and Gabbana

Венера перед зеркалом, Питер Пауль Рубенс, 1615 год.

Питер Пауль Рубенс мастерски рисовал женщин с любовью, учёностью и усердием. Он представил свою «Венеру перед зеркалом» как высший символ красоты. Питер исключительно изобразил её светлое лицо и светлые волосы, которые контрастируют с темнокожей служанкой. Зеркало — это абсолютный символ красоты, который обрамляет женщину, как портрет, и в то же время тонко подчёркивает наготу фигуры. Зеркало, которое Купидон держит для богини, показывает отражение Венеры, как представление эротического влечения и желания. Рубенс, который был одним из основателей искусства барокко, и его концепция, в которой «цвета важнее линий», повлияли на нескольких модельеров, включая Dolce & Gabbana. Стиль барокко отклонился от духа Ренессанса, отказался от спокойствия и гладкости и вместо этого стремился к элегантности, волнению и движению.

Модельеры Доменико Дольче и Стефано Габбана хотели создать кампанию, которая будет превозносить чувственную, а также и романтическую сторону женской красоты. Питер Пауль Рубенс был самым подходящим источником вдохновения. Творения культового дуэта оказались в большой гармонии с искусством фламандского художника. В этой коллекции модели позировали с большим благородством, выглядя так, словно только что сошли с одной из картин Рубенса. Декорации были спроектированы так, чтобы напоминать барочные зеркала и детали вышивки. Изящество фигур и пастельная цветовая палитра прекрасно подчёркивали парчовое розовое платье. Выбор модельеров для включения разнообразных моделей ещё больше способствовал типу телосложения той эпохи. Пышные линии, которые использовали Дольче и Габбана, шли вразрез с дискриминацией различных типов телосложения в индустрии моды.

Женская коллекция Dolce and Gabbana Осень 2012 года демонстрирует многие особенности итальянской архитектуры в стиле барокко. Эта коллекция идеально совпадает с богато украшенными характеристиками стиля сицилийского барокко. Модельеры сосредоточились на архитектуре в стиле барокко, как это видно в католических церквях Сицилии. Ориентиром послужила картина Рубенса «Портрет Анны Австрийской». На своём королевском портрете Анна Австрийская изображена в испанской моде. Чёрное платье Анны украшено вертикальными полосками зелёной вышивки и золотыми деталями. Искусно разработанные платья и накидки из роскошного текстиля, такого как кружева и парча, стали главной фишкой шоу Дольче и Габбаны, покоривших мир своей креативностью.

4. Кристобаль Баленсиага

Фернандо Ниньо де Гевара (1541–1609 гг.),(Доменикос Теотокопулос), Эль Греко, около 1600 года.

Кристобаля Баленсиагу можно назвать настоящим мастером, который реформировал женскую моду в ХХ веке. Родившись в маленькой деревне в Испании, он перенёс суть испанской истории искусства в свои современные проекты. На протяжении всей своей карьеры Баленсиага был впечатлён испанским Ренессансом. Он часто искал вдохновения в испанской королевской семье и членах духовенства. Модельер превратил церковные предметы и монашеские одежды той эпохи в носимые шедевры моды.

Одним из его великих вдохновителей был маньерист Эль Греко, также известный как Доминикос Теотокопулос. Глядя на кардинала Эль Греко Фернандо Ниньо де Гевара, можно заметить сходство между накидкой кардинала и дизайном Баленсиаги. На картине изображён испанский кардинал Фернандо Ниньо де Гевара времён Эль Греко в Толедо. Идеи Эль Греко были заимствованы из неоплатонизма итальянского Возрождения, и на этом портрете он представляет кардинала как символ Божьей благодати. Манерность присутствует во всей картине. Это заметно в удлинённой фигуре с маленькой головой, в изящных, но причудливых конечностях, интенсивных цветах и отказе от классических мер и пропорций.

Страсть Баленсиаги к исторической одежде очевидна в этом экстравагантном вечернем пальто из его коллекции 1954 года. У него было видение и способность изобретать формы в современной моде. Преувеличенный воротник этого пальто повторяет мешковатость кардинальской накидки. Красный цвет одежды кардинала символизирует кровь и его готовность умереть за веру. Яркий красный цвет был расценен знаменитым дизайнером как экстраординарный, так как он часто предпочитал смелые цветовые сочетания и яркие оттенки. Его великим нововведением было устранение линии талии и введение плавных линий, простых разрезов и рукавов на три четверти. Сделав это, Баленсиага произвёл революцию в женской моде.

Дизайнер также представил рукава длиной до браслета, которые позволяли женщинам демонстрировать свои украшения. В 1960-е годы, когда происходило постепенное внедрение женщин в рабочую индустрию, у Баленсиаги была идея дать комфорт, свободу и функциональность женщинам, которых он одевал. Он продвигал свободные, удобные платья, которые контрастировали с облегающими силуэтами того времени.

5. Александр Маккуин

Слева направо: Объятия, Густав Климт, 1905 год. \ Платье из курортной коллекции Alexander McQueen, 2013 год.

Австрийский художник, мастер символизма и основатель венского движения за отделение, Густав Климт положил начало истории искусства ХХ века. Его картины и художественная эстетика уже давно вдохновляют модельеров. Среди других, таких как Аквилано Римонди, Л'Рен Скотт и Кристиан Диор, дизайнером, который напрямую ссылался на Климта, был Александр Маккуин. В курортной весенне-летней коллекции 2013 года он разработал уникальные произведения, которые, похоже, вдохновлены работами художника. Глядя на струящееся чёрное платье с повторяющимся золотым узором сверху – на ум может прийти конкретная картина. Маккуин использовал абстрактные, геометрические и мозаичные узоры в бронзовых и золотых тонах, включив их в свои проекты.

В 1905 году Густав Климт написал картину «Объятия», изображающую пару, пойманную в нежные объятия, которая стала символом любви. Австрийский художник известен своими золотыми картинами, а также идеальным сочетанием абстракции и цвета, присутствующим в этих работах. Все мозаики имеют насыщенные золотистые тона с калейдоскопическими или природными украшениями, которые оказали большое влияние на моду. Эта картина яркая из-за контрастных геометрических форм между одеждами двух влюблённых. Мужская одежда состоит из чёрных, белых и серых квадратов, в то время как женское платье украшено овальными кругами и цветочными мотивами. Таким образом, Климт мастерски иллюстрирует разницу между мужественностью и женственностью. Нечто подобное для своих одежд перенял и Александр.

6. Кристиан Диор

Сад художника в Живерни, Клод Моне, 1900 год.

Основатель импрессионизма и один из величайших французских художников в истории искусства, Клод Моне оставил после себя большое художественное наследие. Используя свой дом и сад в Живерни для вдохновения, Моне запечатлел природный ландшафт в своих картинах. В частности, в картине «Сад художника в Живерни» ему удалось манипулировать природным ландшафтом в соответствии со своими потребностями. Контраст коричневой грязной дорожки на фоне яркого цвета цветов дополняет сцену. Знаменитый импрессионист часто выбирал цветок ириса из-за его фиолетового цвета, чтобы создать эффект яркого солнца. Эта картина полна жизни, так как цветы распускаются и приветствуют, обнимая весну. Лепестки роз и сирени, ирисы и жасмин являются частью красочного рая, изображённого на белом холсте.

В том же духе Кристиан Диор, пионер французской моды, оставил огромный след в мире моды, который ощущается и сегодня. В 1949 году он разработал коллекцию высокой моды для весенне-летнего сезона. Одним из ярких моментов этой выставки стало культовое платье Диор, полностью расшитое цветочными лепестками разных оттенков розового и фиолетового. Диор прекрасно проиллюстрировал два мира искусства и моды и подражал эстетике Моне в этом функциональном платье. Он проводил много времени в сельской местности, рисуя свои коллекции в своём саду в Гранвилле, как это делал Моне. Таким образом, он определил элегантный стиль Диор, включив цветовую палитру и цветочные узоры Моне в свои творения.

7. Ив Сен-Лоран

Слева направо: Композиция с красным, синим и жёлтым, Пит Мондриан, 1930 год. \ Платье Mondrian от Yves Saint Laurent, коллекция осень/зима 1965 года.

Мондриан был одним из первых художников, создававших абстрактное искусство в ХХ веке. Родившись в Нидерландах в 1872 году, он основал целое художественное движение под названием De Stijl. Целью движения было объединить современное искусство и жизнь. Этот стиль, также известный как неопластицизм, был формой абстрактного искусства, в котором использование только геометрических принципов и основных цветов, таких как красный, синий и жёлтый, сочеталось с нейтральными (чёрный, серый и белый). Инновационный стиль Пита начала 1900-х годов заставил модельеров воспроизвести этот чистый тип абстрактного искусства. Лучшим примером живописи этого стиля является «Композиция с красным, синим и жёлтым цветами».

Будучи любителем искусства, французский модельер Ив Сен-Лоран включил картины Мондриана в свои творения высокой моды. Впервые он был вдохновлён работами Пита, когда читал книгу о жизни художника, которую его мать подарила ему на Рождество.
Дизайнер выразил свою признательность художнику в своей осенней коллекции 1965 года, известной как коллекция «Мондриан». Вдохновлённый геометрическими линиями и смелыми цветами художника, он представил шесть коктейльных платьев, которые отмечали его культовый стиль и эпоху шестидесятых в целом. Каждое из платьев «Мондриана» немного отличалось, но все они имели общую простую форму А-силуэта и длину до колен без рукавов, которая идеально подходила каждому типу телосложения.

8. Эльза Скиапарелли

Три молодые сюрреалистические женщины, Сальвадор Дали, 1936 год.

Эльза Скиапарелли, родившаяся в 1890 году в аристократической семье в Риме, вскоре выразила свою любовь к миру моды. Она начала развивать свой революционный стиль, вдохновлённый футуризмом, дада и сюрреализмом. По мере развития своей карьеры она общалась с такими известными сюрреалистами и дадаистами, как Сальвадор Дали, Ман Рэй, Марсель Дюшан и Жан Кокто. Она даже сотрудничала с испанским художником Сальвадором Дали.

Одним из величайших совместных проектов в истории моды было сотрудничество Дали и Эльзы Скиапарелли. Это платье было создано вместе с Сальвадором Дали, как часть цирковой коллекции Скиапарелли лета 1938 года. Платье отсылает к картине Дали, на которой он изображал женщин с искажёнными пропорциями тела.

Для художников-сюрреалистов поиски идеальной женщины были обречены на провал, поскольку идеал существовал только в их воображении, а не в реальности. Однако в намерения Дали не входило реалистично изображать женщин, поэтому их тела совсем не эстетичны. Скиапарелли хотела поэкспериментировать с этой игрой сокрытия и раскрытия тела, создавая иллюзию уязвимости и незащищенности. Платье с иллюзией слёз было сшито из бледно-голубого шёлкового крепа, тем самым отдавая дань Сальвадору и его непропорциональным женщинам.

9. Джанни Версаче

Диптих Мэрилин, Энди Уорхол, 1962 год

Эпоха поп-арта была, вероятно, самым влиятельным периодом для модельеров и художников в истории искусства. Энди Уорхол стал пионером сочетания поп-культуры и высокой моды, что сделало его культовым символом движения поп-арта. В шестидесятых годах Уорхол начал практиковать свою фирменную технику, известную как шелкография.

Одной из его самых ранних и, несомненно, самых известных работ был «Диптих Мэрилин». Для этого произведения он черпал вдохновение не только из поп-культуры, но и из истории искусства и художников абстрактного экспрессионизма. Энди запечатлел два мира Мэрилин Монро, общественную жизнь голливудской звезды, и трагическую реальность Нормы Джин, женщины, которая боролась с депрессией и зависимостью. Диптих усиливает вибрацию слева, в то время как справа он исчезает в темноте и безвестности. В попытке представить общество потребления и материализма он изобразил индивидов как продукты, а не как людей.

Итальянский дизайнер Джанни Версаче имел давнюю дружбу с Энди Уорхолом. Оба мужчины были очарованы популярной культурой. Чтобы почтить память Уорхола, Версаче посвятил ему свою весенне-летнюю коллекцию 1991 года. На одном из платьев были гравюры Уорхола с Мэрилин Монро. Он включил яркие шёлковые портреты Мэрилин и Джеймса Дина, созданные в 1960-х годах, в юбки и платья макси.

А в продолжение темы о моде, красоте и неординарных идеях, читайте также о том, как современные художники превратили макияж в настоящее произведение искусства.